Все про барокко: Барокко — это… Что такое Барокко?

Все про барокко: Барокко — это… Что такое Барокко?

09.10.2020

Содержание

стиль и архитектура эпохи барокко. Русское барокко

Барокко — стиль в европейской архитектуре и искусстве XVII–XVIII веков. Название стиля совпадает с названием эпохи, которая пришла на смену Ренессансу — эпохе Возрождения.

Считается, что словом barocco португальские рыбаки называли жемчужины неправильной искривленной формы. В XVI столетии словечко появляется в разговорном итальянском для обозначения чего-то грубоватого, вычурного, неуклюжего.

Стиль и эпоха барокко: черты и особенности

Стиль барокко зародился благодаря кризису идеалов эпохи Возрождения. В этот период человечество сделало массу научных и географических открытий: было положено начало книгопечатанию, совершено кругосветное путешествие, открыты движение Земли вокруг Солнца и знание, что Земля не плоская, а имеет форму шара. Это шло вразрез со зрительным впечатлением, при котором планета выглядит плоской и неподвижной.

Depositphotos

Эти противоречия между видимостью и знанием постепенно отразились и в искусстве: чем неправдоподобнее произведение и чем сильнее оно отличается от вещей, которые можно наблюдать в жизни, тем оно интереснее и привлекательнее.

Барокко, тяготевшее к торжественности, помпезности и гротеску, отражало представления современников об изменчивости и сложности окружающего мира.

Церковь Сан-Марчелло-аль-Корсо, Рим. Источник: Википедия

Основными чертами барокко, которые отличают его от других стилей, являются:

  • пышность, помпезность, роскошность;

  • массивность, граничащая с гигантизмом;

  • обилие мелких деталей;

  • слияние скульптуры, архитектуры и живописи — заметно в оформлениях парковых ансамблей, которые стали популярны;

  • обилие украшений, лепнины, зеркал, позолоты, скульптур.

Монастырь Святого Мартина Брагского, Португалия. Источник: Википедия

Эпоха порождает много новых развлечений: балы-маскарады, прогулки на лошадях, театр, фейерверки. Вместо икон в интерьерах все чаще используют пейзажи и портреты, духовную музыку постепенно вытесняет светская.

Отныне всякая естественность отвергается человеком как проявление дикости и невежества — все должно быть максимально приукрашено, усовершенствовано. В моду входят каблуки, пудра, обилие косметики и высокие прически.

Для живописи характерны контрастность, выраженные светотени, пышность форм.

«Самсон и Далила», Питер Пауль Рубенс. Getty Images

«Ужин в Эммаусе», Караваджо. Getty Images

Барокко в архитектуре

Для архитектуры эпохи типичны размах, асимметрия, наличие куполов, колонн, балконов и башен. В моду входят сочетание белого с золотым, красный, голубой с желтым, использование богатой палитры от бордового до изумрудного.

Убранство собора Святого Петра в Риме. Getty Images

Родиной стиля считается Италия. В тот период страна теряет экономическое и политическое могущество. Чтобы развеять слухи о кризисе и подчеркнуть влияние папы Римского, Рим начинают застраивать богато оформленными зданиями.

Фонтан Треви в Риме. Getty Images

Образцом итальянского барокко становится собор Святого Петра в Риме.

Собор Святого Петра в Риме. Getty Images

Русское барокко

Вызывающий архитектурный стиль, популярный в Европе, прижился и в России, но с местными особенностями. В России архитектура барокко прошла через три этапа:

  • Московское барокко — стиль, содержащий как барочные элементы, так и детали древнерусской архитектуры;

Храм Воскресения Христова в Кадашах – образец московского барокко. Depositphotos

  • Петровское барокко — стиль, одобренный Петром I и подражающий образцам немецкой, шведской и голландской архитектуры того времени;

Кикины палаты, Санкт-Петербург. Образец петровского барокко. Википедия

  • Елизаветинское барокко — гибрид московского и петровского барокко с элементами итальянского, популярный во времена Елизаветы Петровны.

Дворец Апраксина-Трубецких в Москве. Елизаветинское барокко. Depositphotos

Искусствоед.ру – Образовательный и культурно-просветительский сетевой ресурс об искусстве и культуре

Просмотры: 60 957

В основу стиля Барокко, сложившегося в Италии в конце 16 века, легли религиозные идеи Контрреформации: на Тридентском Соборе было объявлено, что человек может воспринять догматы христианства только через мистическое озарение. Основные черты барочных произведений — эмоциональная выразительность, насыщенность движением, сложность композиционных решений, — создавали у зрителя особый духовный настрой, способствующий единению с Богом. Слово «barocco» в переводе с итальянского означает «странный», «причудливый». Оно появилось позднее, как знак удивления буйной фантазией мастеров этого стиля. Вёльфлин впервые определил барокко как живописное, настроенное на глубину, склонное к открытой форме, предпочитающее атектоническое начало и некоторую неясность.

Для художественной культуры барокко характерно стремление найти красоту в дисгармонии, асимметрии, нескончаемом взаимопереходе форм. Здесь намеренно используются диспропорция, диссонанс и другие нарушения порядка. Главная цель, которую ставит перед собой художник: ошеломить, потрясти воображение зрителя. Эта цель достигается через передачу страстного движения, напряженной борьбы противоположностей, резких контрастов. Текучесть формы обеспечивается специальными художественными приемами: сложными метафорами, аллегориями, анаморфозами (неожиданными переходами одного образа в другой).

В переводе с итальянского «barocco» означает «причудливый», «странный». В средневековой логике этим термином обозначились неправильные умозаключения, логические ошибки. В Португалии аналогичным словом «perola barroca» назывался жемчуг неправильной (овальной) формы. В искусстве его стали применять к различным отступлениям от классических канонов. Первые элементы нового стиля обнаружились в Италии в конце XVI в. Родоначальник – один из «титанов» Возрождения – Микеланджело Буонаротти. В его поздних творениях: скульптурах, олицетворяющих времена суток капеллы Медичи и фреске с изображением Страшного Суда в Сикстинской капелле, — появляются мотивы мучительной скорби и безысходности.

Огромная суггестивная сила барокко стала причиной того, что оно было взято на вооружение католической церковью в движении контрреформации. Его распространению способствовал Орден иезуитов («Общество Иисуса»), которому была поручена борьба с протестантизмом всеми доступными средствами. Иезуитские учебные заведения – коллегии и семинарии – монополизировали образование в католических странах. Благодаря их поддержке идеология и практика барокко утвердилась в странах Западной Европы, не принявших Реформацию: Италии, Испании, Франции, Австрии, Польше и т.д.

Барокко — первый подлинно общеевропейский язык искусства и архитектуры. Возникнув в рамках католицизма, он не может быть вписан в рамки одной конфессии, одной политической системы или одной национальной культуры.

Архитектура

Фасад Мадерна
Италия

В архитектуре наибольшего внимания заслуживают итальянские мастера — ведь именно в их творчестве ярче всего проявилась главная особенность барокко — стремление к созданию ансамбля.

Центром архитектурного барокко стал г. Рим. Первым сооружением этого стиля была церковь Иль-Джезу (1575), построенная архитекторами Джакомо да Виньоли и Джакомо делла Порта для Ордена иезуитов. На фасаде двухъярусного здания использованы волюты, дающие эффект плавного перехода от верхнего яруса к нижнему.

Интерьер характеризуется обилием декоративных деталей, которые задерживают внимание вошедшего в храм, предваряя его восприятие свода. Таким образом символизируется трудность перехода от земной суеты и страстей к небесному блаженству.

Особенно выделяются Карло Мадерна (1556 — 1629), Франческо Борромини (1599 — 1667) и Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680). Именно Карло Мадерна мы обязаны сегодняшним видом Собора святого Петра. К зданию, которое возвёл Микеланджело, Мадерна добавил гигантский притвор с западной стороны. Таим образом, весь храм стал базиликой и приобрёл стремительное движение к подкупольному пространству, где находится могила святого Петра.

Работы по преобразованию Собора продолжил Бернини. С 1657 по 1663 он создавал своё гениальное творение — площадь перед Собором. Это была главная площадь католического мира. Множество паломников из разных стран собиралось и собирается на ней в праздничные

Площадь собора св. Петра

дни, чтобы увидеть Папу. По сути, это не одна, а две площади. Первая, в виде трапеции, сформирована галереями, отходящими от Собора. Второй Бернини придал форму овала. Она обращена к городу и охвачена колоннадами, как двумя огромными руками. В симметричных точках овала расположены фонтаны, а между ними стоит обелиск, помогающий ориентироваться на огромной площади. Это не просто слова — хорошо известен своеобразный эффект площади святого Петра: проходя по ней посетитель периодически ощущает утрату координат. Кроме того, в средокрестии Собора Бернини установил огромный киворий высотой 29 м. Этот колосс на 4-х витых колоннах с имитацией в бронзе тяжёлых складок драпировок потрясает всякого вошедшего в храм.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане

Абсолютным шедевром Франческо Борромини является церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Для неё был выделен маленький и неудобный участок на перекрёстке. По углам небольшого храма расположены 4 фонтана (отсюда название церкви). Стена фасада то прогибается, то выступает вперёд, и кажется, что плотная масса камня меняется на глазах. Композиция основана на продуманных сочетаниях выпуклых и вогнутых поверхностей стен, а всё вместе создаёт динамичный, живописный, и вместе с тем логичный образ.

Самые зрелые черты стиль барокко приобрел у Франческо Борромини (церковь Сан-Карло у четырех фонтанов) и Лоренцо Бернини (церковь Сант-Андреа аль Квиринале). Сложились его отличительные признаки:

1. Овальная форма планов и вообще преобладание криволинейных очертаний в зданиях: полукруглый фронтон, волнообразный фасад, характерная декоративная деталь – волюта, соединяющая верхний и нижний ярусы здания.

2. Витые колонны, создающие эффект напряженного движения:
3. Фонтаны, как часть архитектурного ансамбля.
4. Перегруженность декоративными деталями: пышной лепниной, скульптурами и росписями.
5. Иллюзионистские эффекты, создающие впечатление бесконечного пространства, размывающие грань между кажущимся и реальным и др.

Все эти детали имеют символическое значение. Криволинейные очертания, волюты и волнообразность символизируют преображение материи. Тяжелое каменное сооружение как бы на глазах меняет свой облик. Сложная символика выражена и в отдельных архитектурных памятниках. Пространство перед церковью св. Петра в Риме имеет очертания ключа, напоминая о том, что церковь есть ключ к Царствию Небесному.

Испания

Говоря об архитектуре Испании того времени, следует отметить, что в ней сочетались средневековые черты с барочными. Особенно ярко новые веяния отразились в декоративном оформлении зданий — так называемый стиль «платереско» («чеканный», «узорчатый»). В этом стиле строили Мартин

Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела

Виллареаль, Алонсо Кано и другие. На рубеже 17 — 18 веков ясность и ювелирная точность платереско сменились предельной насыщенностью декоративными деталями и пристрастием к обильным украшениям на фасадах. По имени архитектора Хосе Бенито Чурригера  и его братьев (1665 — 1725) этот стиль получил название «чурригереск». Созданный ими стилевой вариант характеризовался особо пышным декором фасада. Он оказал влияние на латиноамериканскую архитектуру (мексиканское «ультрабарокко»). В этом стиле был построен знаменитый собор города Сантьяго де Компостела. Его архитектор, Фернандо Касас де Новоа, использовал такое обильное декоративное убранство, что башни храма кажутся скульптурными произведениями, а не архитектурными.

Франция

Во Франции барокко более строгое, без излишеств. Вершиной французской архитектуры 17 века стал Версаль. Кроме Версаля, следует отметить например, собор Дома Инвалидов, построенный Жюлем-Ардуэном Мансаром (1646 — 1708). Этот храм стал важной высотной точкой Парижа — его тяжеловесный купол значительно изменил панораму города.

Версаль Собор Дома инвалидов Версаль
Англия

Великобритания в 17 веке была одним из крупнейших центров европейской архитектуры. Однако большинство английских построек было связано не с барокко, а с иным стилем — классицизмом. Поэтому здесь присутствуют те произведения английских архитекторов, где присутствуют отдельные черты барокко. Безусловно, это Собор святого Павла, построенный Кристофером Реном (1632 — 1723). Нужда в строительстве храма возникла после того, как пожар 1666 года уничтожил старый лондонский собор. Главный фасад нового собора украшен двухъярусным портиком со сдвоенными колоннами и фронтоном. Как и в соборе святого Петра в Риме, в здании Рена есть внутренний купол и внешний, рассчитанный на вид издалека. Чтобы удержать тяжёлый фонарь купола, архитектор придумал конусовидную конструкцию из кирпича между внутренним и внешним куполом. Для 18 века это было уникальное инженерное решение. Важным произведением английского барокко стала Библиотека Рэдклиффа (архитектор Джеймс Гиббс, 1682 — 1754). Она представляет собой 16-гранное в плане сооружение, окружённое колоннадой из сдвоенных колонн.

Дворцово-парковые ансамбли представлены таким памятником английской архитектуры 17 века, как Вилла в Чизвике, созданная Ричардом Бойлом Бёрлингтоном (1695 — 1753), аристократом и покровителем искусств. Вилла повторяет «Ротонду» Палладио, но её фасады не одинаковы. Садовый фасад украшен портиком с фронтоном, к которым ведёт очень сложная и изысканная лестница. Парк, созданный для этого ансамбля Уильямом Кентом (1684 — 1748) — один из первых образцов английского пейзажного парка.

Германия и Австрия

В Германии и Австрии архитектурное барокко развивалось почти так же бурно, как и в Италии. Здесь необходимо отметить пышные экстатические творения братьев Азам, Фишера фон Эрлаха и других немецких и австрийских авторов. Дворцово-парковые ансамбли представлены  таким замечательным ансамблем, как Епископская резиденция в Вюрцбурге (архитектор Бальтазар Нойман, 1687 — 1753). Это огромный дворец с 4-мя внутренними дворами и очень длинным фасадом — 167 м. В интерьере дворца поражает монументальная и изысканная парадная лестница. И жемчужина немецкого барокко — Цвингер, парадная резиденция курфюрстов Саксонии. Ее создал Маттиас Даниэль Пеппельман (1662 — 1736). Ансамбль возвели у крепостного рва, где в Средние века держали диких животных (по-немецки zwinger означает «клетка для зверей»). Обширный двор, где проходили празднества, с трёх сторон окружён двухэтажными павильонами, соединёнными галереями с застеклёнными арками.

Скульптура

В скульптуре внимание прежде всего привлекают итальянские и испанские архитекторы. Барочным скульптором «par excellence» является Джан Лоренцо Бернини. Широко известно его утверждение: «Я сделал мрамор гибким как воск». И действительно, такие работы, как «Экстаз святой Терезы», «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины» свидетельствуют о виртуозном мастерстве скульптора. Он шлифует мрамор, заставляет его играть множеством бликов, передавать тончайшие нюансы: фактуру ткани, блеск глаз. В скульптурах Бернини достигают апогея динамика и дематериализация формы. Он мог соединять в одном произведении мраморы разных цветов и позолоченную бронзу, достигая полной иллюзорности и предельной живописности скульптуры.

В отличие от Бернини и других итальянских скульпторов, воплощавших в своих произведениях некую идею, испанские мастера стремились прежде всего к правдоподобию до мельчайших деталей. В их работах натурализм сочетался со страстностью. Очень распространённой скульптурной формой в Испании было «пасо» (шаг, шествие) — группа, представляющая библейскую сцену. Пасо носили по городу во время праздников. Их делали из дерева, раскрашивали, на фигуры надевали одежду и приклеивали настоящие волосы. Наиболее известные мастера — Грегорио Эрнандес (около 1576 — 1636) и Педро де Мена (1628 — 1688), — соединяют в своё творчестве жёсткий натурализм и обострённую эмоциональность в передаче духовного состояния.

Французские скульпторы, творившие в условиях абсолютизма, любили эффектные, выразительные решения, монументальные формы, торжественность и пышность. Франсуа Жирардон (1628 — 1715), ученик Бернини, подчёркивает в своих работах не драматизм, а красивую композицию. Антуан Куазево (1640 — 1720) даёт психологически тонкие характеристики героев, используя такие барочные приёмы, как неожиданные позы, свободные движения, пышные одеяния. Французская скульптура 17 века соединяет в себе черты классицизма и барокко.

Поражает своей пышностью скульптура немецкого барокко. Основные её черты — парадность, экспрессивность, избыточность деталей, тонкое чувство материала и усложнённость композиций. Всё это как нельзя лучше проявилось в произведениях Андреаса Шлютера.

Живопись

В живописи, гравюре и рисунке Европы были большие и малые мастера барокко. В Италии это болонские академисты — братья Карраччи, Гверчино, Сальватор Роза, — верившие в существование вечного идеала красоты. Их взгляды легли в основу академической системы образования. Известен сонет, приписывающийся Агостино Карраччи, в котором излагаются взгляды академистов:

Кто стремится и хочет стать хорошим живописцем,
Тот пусть вооружится рисунком Рима,
Движением и светотенью венецианцев
И ломбардской сдержанностью колорита,
Манеру мощную возьмёт от Микеланджело,
От Тициана передачу натуры,
Чистоту и величие Корреджиева стиля
И строгую уравновешенность Рафаэля.

(Пер. А. Аристовой и С. Всеволожского)

Во Франции мы видим явление крестьянских живописцев — Луи Ленена (1600/1610 — 1648) и Жоржа де Ла Тура (ум. 1652). Картины Ленена продуманны и упорядочены по композиции, строги по колориту. Его герои полны достоинства и внутреннего покоя. На полотнах Ла Тура, благодаря особому художественному приёму (противопоставлению тёмного пространства и потока яркого света) заурядные события превращаются в мистические и таинственные. Представлено и творчество Клода Лоррена (1600 — 1682) — основоположника французского пейзажа.

Из немецких живописцев того времени самым талантливым был Адам Эльсхеймер (1578 — 1610). Его творчество повлияло на многих современников яркостью колорита, оригинальным подходом к сюжетам, смелыми экспериментами в изображении света.

Но на первый план в области живописи и графики выходят мастера Испании, Голландии и Фландрии. В Испании 17 век называется золотым веком живописи. И действительно, именно в эту эпоху жили и творили такие замечательные художники, как Хусепе Рибера (1591 — 1652), разрабатывавший тему страданий и мученичества; Франсиско Сурбаран (1598 — 1664), чьи многочисленные циклы из жизни святых погружают нас в тайну мистического общения человека с Богом, и Бартоломео Эстебан Мурильо (1618 — 1682) — деликатный и искренний художник, своими образами вызывавший умиление у современников.

Но, конечно, самым выдающимся испанским живописцем эпохи барокко был великий Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599 — 1610). В искусстве достижения иллюзии реальности он следовал испанской национальной традиции. Но, в отличие от вышеперечисленных художников, иллюзорность у Веласкеса принимает не религиозно-мистический, а простонародно-бытовой оттенок. Его поздние картины поражают мастерством композиции и невиданной ранее свободой пространственного мышления и обыгрывания темы «картина в картине». Мастер писал блестящие психологические портреты, с поразительной глубиной проникая во внутренний мир своих героев. Папа Иннокентий Десятый назвал свой портрет кисти Веласкеса «слишком правдивым». Парадные портреты художника скорее скрывают внутреннюю жизнь героя, демонстрируя аристократическую сдержанность. Но именно они позволяют во всём блеске развернуть живописное мастерство — зритель обнаруживает головокружительные заливки жидкой краски, непринуждённые движения кисти, вольно переливающиеся открытые цвета, смелые опыты с цветными тенями… В своём творчестве Веласкес соединяет духовное богатство с редким техническим мастерством.

Во Фландрии, где господствовали испанцы, и в Голландии, которая стала независимой, тоже наблюдался небывалый расцвет изобразительного искусства. «Королём художников и художником королей» называли фламандца Питера Пауля Рубенса (1577 — 1640). В его антверпенской мастерской безостановочно кипела работа — среди заказчиков Рубенса числились не только дворяне и богатые купцы, но и королева Франции Мария Медичи, испанская королева Изабелла… Он подарил миру около 3 тысяч картин и множество рисунков. Работам художника свойственны необыкновенная любовь к жизни и энтузиазм. Они отличаются удивительной изобретательностью построений, сверканием ярких тонов.

Рубенс достиг изумительного совершенства и лёгкости в искусстве владения кистью — и этим поразил романтиков. Вот как написал о нём Эжен Делакруа: «…он подражал Микеланджело, но так, как только он умел подражать! Он был переполнен величайшими образцами, но следовал тому началу, которое носил в самом себе… Он имеет смелость быть самим собой… Я дуюсь на него порой! Я ссорюсь с ним из-за его грузных форм, из-за недостатка изысканности и изящества… Но даже промахи Рубенса не ослабляют впечатления от его картин, до того они проникнуты совершенно особым свойством истинной смелости… Рубенс гораздо родственнее Гомеру, чем многие античные мастера. У него был сходный гений по самому своему духу…». Художник ценил живописную ткань тициановской традиции, но разрушал то величавое равновесие, которое было ей свойственно. Освоив всё неповторимое богатство итальянской живописи, художник, по сути, основал фламандскую школу.

Славу этой школы составляют утончённые портреты Антониса Ван Дейка (1599 — 1641), простодушно-грубоватые жанровые произведения Якоба Йорданса (1593 — 1678), горькие и язвительные картины Адриана Браувера (1605/1606 — 1638).

Вершиной голландской школы было творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 — 1669). О его произведениях Эжен Делакруа сказал: «правда — самое прекрасное и редкое на свете». Можно утверждать, что Рембрандт был самым необыкновенным и загадочным мастером 17 века. В молодости он быстро приобрёл репутацию вундеркинда. За свои портреты, в которых он схватывал выражения лиц, погружая их трепетную светотень, Рембрандт получал неплохие гонорары. Художник счастливо женился, у него появились ученики. Однако уже в начале 1640-х годов его живопись становится слишком необычной для голландских бюргеров. Вот как пишет Эжен Фромантен о картине Рембрандта «Ночной дозор»: «Рембрандту надо было изобразить роту вооружённых людей. Не было ничего проще, как показать нам, что они собираются делать; но он выразил это так небрежно, что даже в самом Амстердаме до сих пор ничего не могут понять. Он должен был придать фигурам портретное сходство — оно сомнительно; изобразить характерные костюмы — они большей частью фантастичны; создать живописный эффект — но этот эффект оказался таков, что картина стала неразрешимой загадкой. Страна, место, время действия, сюжет, люди, вещи — всё исчезло в бурной фантасмагории палитры… странности фигур, и их внезапное появление среди полной темноты — всё это случайный результат эффекта, задуманного вопреки правдоподобию, осуществлённого вопреки всякой логике». Недоумение вызывала слишком вольная трактовка портретов и нехарактерный для Голландии интерес к евангельским и библейским сюжетам. Умирает любимая жена Рембрандта, исчезают ученики и заказчики, тает богатство. В конце концов, художник становится банкротом и переселяется в еврейское гетто. В работах последних лет Рембрандт достигает величайшей человечности. Его «ночной мир» пронизан, по выражению Вальтера Беньямина, «непредумышленными смыслами». Картины мастера изобилуют световыми вспышками и потоками, полупрозрачными сгустками и материальными уплотнениями, принимающими вид предметов и фигур. Художник создаёт яркие и запоминающиеся образы стариков, женщин, влюблённых, отцов и детей. Великий Рембрандт умер в 1669 году, пережив своего сына Титуса. Мистические свойства материи его произведений, несомненно, составляют ещё одну грань стиля барокко.

Что касается офортов Рембрандта, то в них оригинальность индивидуального стиля художника проявилась еще сильнее. Свет и тень создают в них поистине ирреальное, мистическое ощущение. Штрихи образуют густую трепещущую сетку и вибрируют серебристым или золотистым цветом, создавая особую атмосферу.

Вторым великим голландским художником эпохи барокко был Ян Вермеер Делфтский (1632 — 1675). Перед его работами у зрителя возникает смешанное чувство восхищения и беспомощности. Всё ясно и понятно, но, в то же время, драгоценная световоздушная живопись Вермеера придаёт художественному пространству загадочный оттенок. Если у Рембрандта материальность исчезает и растворяется в свете и тьме, то у Вермеера, наоборот, подчёркивается материальная значимость каждого предмета. Писал Вермеер очень медленно и оставил потомкам всего около 40 картин. Он тщательно накладывал мелкие плотные мазки, завершая работу лёгкими, незаметными касаниями кисти.

Кроме этих двух гигантов нидерландской живописи в эпоху барокко в Голландии жили и творили Фрас Халс и так называемые «малые голландцы»: Герард Доу (1613 — 1675), Адриан ван Остаде (1610 — 1685), Габриэль Метсю (1629 — 1667), Герард Терборх (1617 — 1681) и другие. Они разрабатывали различные вариации бытового жанра, причём особенно любимой темой стали сцены «весёлого общества». «Малые голландцы» были наблюдательны, порой остроумны и умели нравиться публике.

Гравюра

В гравюре представлены, в основном, работы тех же мастеров, что и в живописи. Но есть там и такие мастера, которые стали известны именно как гравёры. Таков, например, голландец Херкюлес Сегерс (1589/1590 — 1638), много сделавший для развития техники цветного офорта. Каждый его лист — неповторимое, оригинальное произведение искусства. В ночных пейзажах яркие блики образуют на тёмном фоне сложный рисунок и создают иллюзию серебристого мерцания лунного света, а грандиозные ландшафты вызывают космические ассоциации.

Французский рисовальщик и гравёр Жак Калло (1592 — 1635) узнал славу ещё при жизни — его эстампы печатались большими тиражами и продавались во многих городах Европы. Замечательно изображал Калло массовые сцены со множеством мелких фигурок. В общую композицию прихотливо вплетаются бродяги, комедианты, разбойники. На одной из гравюр Калло Тенирс насчитал 1138 человек, 45 лошадей и 137 собак. Дерзкий гротесковый стиль художника отразился не только в изобразительном искусстве, но и в литературе — одна из самых знаменитых книг Э. Т. — А. Гофмана называется «Фантазии в стиле Калло». На весь мир прославился своими гравюрами и рисунками Джованни Батиста Пиранези (1720 — 1778). Он создал сотни гравюр с видами Рима, проектов воображаемых зданий и архитектурных фантазий. Самой загадочной была его серия «Тюрьмы» — одни видели в них изображение ада, другие — наркотические галлюцинации, третьи — театральные декорации. Сам себя Пиранези называл «венецианским архитектором», и хотя за всю свою жизнь он построил всего лишь одно здание, заслуживает такого названия, ибо оказался родоначальником «бумажной архитектуры». Фантастические образы гравёра оказали столь большое влияние на князя В. Одоевского, что тот вывел образ Пиранези в своём романе «Русские ночи», и вложил тому в уста следующую тираду: «Духи, мною порождённые преследуют меня: там огромный свод обхватывает меня в свои объятия, здесь башни гонятся за мною, шагая верстами… иногда заключают они меня в мои собственные темницы, опускают в бездонные колодцы, куют меня в собственные мои цепи».

Отдельного упоминания заслуживают и такие гравёры и рисовальщики, как Абрахам Блумарт (1564 — 1651), Стефано делла Белла (1610 — 1664), Карел Дюжарден (1622 — 1678), Жорж Лаллеман (ок.1580 — ок.1640).

Заключение

Барокко экспериментально и исполнено здравого смысла. Оно мистично и рационально, иронично и серьёзно, виртуозно и естественно. Нередко встречаются в барочной архитектуре опыты с пространством и движением, массой и цветом. Излишества и декоративная преизбыточность интерьеров дворцов может вызвать упрёки строгих эстетов. В парках и садах встречаются нам павильоны с причудами, зловещие гроты, фонтаны со странными фигурами и чудищами. Барокко регулярно сбивает зрителя с толку. В архитектуре и скульптуре, живописи и гравюре, глаз перестаёт различать большое и малое, далёкое и близкое, лёгкое и тяжёлое, материальное и имматериальное. Барочные мастера словно специально подчёркивают неуловимость и неподотчётность человеку стихий и субстанций, несоразмерность мира и людей.

Искусство барокко тесно связано с рождением принципиально нового способа мышления, с появлением научной картины мира. Именно в 17 веке Галилей демонстрирует изумлённой общественности виды новых небес, с их многочисленными звёздами и планетами. Это и подобные ему открытия приводят не только к ужасу и трепету перед затерянностью человека в просторах космоса, но и к желанию осваивать новые пространства. После Кеплера у астрономов не возникало сомнений в подвластности физической вселенной измерению, и та же картина наблюдалась в биологии, географии, химии, медицине.

Стиль барокко — порождение нестабильной эпохи. Художники расшатывают прежние представления о том, каким должно быть искусство. Они осваивают новые темы и мотивы, способы выражения, хотят увидеть невидимое и запечатлеть невозможное. Как бы мы ни относились к искусству барокко, мы должны осознавать, что именно оно стало первым стилем Нового Времени. В нём — ключ к пониманию искусства дня сегодняшнего.


Д. Харман.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

Как появился стиль барокко и почему с ним надо быть осторожным. Что значит барокко

Путешествуя по Италии и другим европейским странам, мы постоянно сталкиваемся со стилем барокко — дворцы и мебель в них, церкви и живопись… Как началась эпоха барокко, почему стиль барокко актуален до сих пор и как использовать барокко в интерьере, чтобы он выглядел гармоничным?

Что значит барокко

Ежедневно, где бы мы ни находились, нас окружает барокко. Стоит лишь присмотреться, оно тут как тут — в изогнутых линиях венского стула, в пестром узоре китайской вазы, в любых неровностях и шероховатостях.

Вечное барокко. Назовем его так, отличив от барокко исторического — главенствующего направления в европейском искусстве XVII–XVIII веков.

По-итальянски barocco означает «причудливый», «странный», «нелепый». Видимо, правы те, кто настаивает на заимствовании слова из португальского языка, где pérola barroca обозначает жемчужину неправильной формы. Запомним это и углубимся в историю.

Две вещи потрясли умы европейцев в первой четверти XVI столетия — Реформация, начатая выступлением доктора богословия Мартина Лютера в октябре 1517 года, когда он прибил к дверям виттенбергской Замковой церкви свои знаменитые «95 тезисов» против злоупотреблений католицизма, и создание Николаем Коперником нового учения — гелиоцентрической системы мира, слухи о котором широко распространились уже в 1520-х годах.

То и другое с разных сторон подрывало тысячелетний авторитет Ватикана, внушавшего западным христианам строго определенный взгляд на мир и на место человека в нем.

И еще одно событие, произошедшее 6 мая 1527 года, произвело сильнейшее впечатление на современников. В тот день, в ходе так называемой войны Коньякской лиги, разноплеменное войско императора Карла V ворвалось в Рим и устроило натуральный погром, перебив охранявшую Ватикан швейцарскую гвардию и осадив едва спасшегося папу Климента VII в замке Святого Ангела.

Варварское разграбление Вечного города, сравнимое с нашествием вестготов Алариха, вызвало в Европе настоящий культурный шок и наложило своеобразный отпечаток на итальянское, а затем и на все западноевропейское искусство, характерными чертами которого сделались динамизм, деформированность пропорций, изломанность линий (так называемая змеевидная линия), наконец, сублимированный эротизм, пришедшие на смену умиротворенной ренессансной гармонии.

Эта чисто эмоциональная реакция совпала с реакцией политической: денег на новые циклопические постройки разгромленному Риму не хватало, поэтому новым папам для поддержания имиджа «столицы христианского мира» пришлось прибегнуть к маскировке. Обратились к художникам, а те в свою очередь — к необычным выразительным средствам. Так возник и сложился «странный», вычурный стиль раннего барокко (маньеризм), подменявший идею «причудами» и за броской витиеватостью скрывавший онтологическую пустоту.

Но в творчестве отдельных мастеров искусство вновь пробило себе дорогу наверх. Один из наиболее ярких примеров — «Иоанн Креститель» Эль Греко. На полотне 1579 года (церковь Санто Доминго эль Антигуо, Толедо, Испания) св. Иоанн еще втиснут в каноны барокко: пропорции фигуры нарушены формально, без всякого подтекста, это нарушение ради нарушения. Через 20 лет Эль Греко вернется к библейскому образу, и его мысль поразит смелостью, далеко опередившей время.

Вариант второго «Крестителя» демонстрируется в ГМИИ им. А. С. Пушкина. Святой и здесь изображен в полный рост и, на первый взгляд, чудовищно растянут в длину. За спиной у Иоанна маячит нарочито миниатюрный пасторальный пейзаж, возле ног свернулся крошечный агнец, — все это подчеркивает непомерную высоту стоящего. Зачем?

Иоанн Креститель

Присмотритесь. Перед нами оптическая иллюзия или, если хотите, геометрия Римана в действии: худощавый человек на картине — обыкновенного роста, но на него как будто наставлено увеличительное стекло. Ноги с выпирающими икрами в таком случае должны визуально оказаться далеко внизу, туловище — бочкообразно расшириться, а голова, наоборот, выглядеть относительно небольшой. Мысль художника ясна: Иоанн, избранный для великого подвига, — обычный пастух, и в то же время он — гигант духа в «прицеле» направленного на него из вечности Божьего Ока.

Диспропорция, дисгармония, надлом, надрыв, витиеватость, гипертрофированная чувственность… Так можно охарактеризовать не только ушедшее в прошлое историческое барокко, но и актуальный ныне постмодерн, все бесцеремоннее проникающий в наши жилища. К нему, как и вообще ко всякой дисгармонии, нужно относиться с разборчивостью и осторожностью; отстаивать с пеной у рта преимущество всего оргиастического, экспрессивного — значит, идти по гибельному пути Ницше, приведшему немецкого философа не к творческому, а, увы, к самому настоящему безумию.

Взвешенное определение гармонии дал в 1930-х годах другой философ, русский, — Яков Друскин. Вот оно: «Некоторое равновесие с небольшой погрешностью» — то есть по сути все та же, уже знакомая нам, жемчужина неправильной формы. «Небольшая» — ключевой эпитет. Друскин входил в круг ленинградских философов и литераторов-авангардистов, где сформировалась поэтика Николая Заболоцкого, Даниила Хармса и Александра Введенского, творчество которых, пройдя сложную эволюцию, устремилось к высокой классике.

Заметки об эстетике БАРОККО — Любовь к жизни — LiveJournal

 
    В продолжение предыдущего поста, в котором шла речь о ментальных истоках барокко (если кому интересно, просто откройте мой блог), предлагаю вниманию всех, кто не чужд чувства прекрасного, небольшие заметки об ЭСТЕТИКЕ БАРОККО — художественного стиля, по-новому увидевшего и отразившего изменившуюся реальность мира.

    Жаргонное слово «barocco» (причудливый, странный, вычурный), которым португальские моряки обозначали бракованные жемчужины неправильной формы, в середине XVI века появилось и в разговорном итальянском языке, где стало синонимом всего грубого, фальшивого и неуклюжего.

    Возможно, излишняя вычурность произведений искусства произведений искусства, выполненных в этом стиле, была одной из причин разногласий, возникших между специалистами в оценке барокко.

    Одни видели в нем «стилевое направление» в европейском искусстве конца XVI — середины XVII в.
    Вторые объявляли искусство барокко «извращенностью», «незнанием правил», проявлением «дурного вкуса», противоречащим гармоничному и жизнеутверждающему искусству эпохи Возрождения.
    Третьи, напротив, отмечали грандиозность, пластичность, стремление к красоте и воспринимали его как логичное продолжение традиций Возрождения.

    В то же время были и общие, не вызывающие разногласий взгляды на эстетику барокко. Они касались основных задач искусства, понимания роли и места человека в окружающем его мире. Главная цель барокко — стремление удивить, вызвать изумление.

    Вот как об этом писал английский поэт Александр Поуп (1688 — 1744):

«Лишь там, где полускрыта красота,
Достигнута искусства полнота.
Цель мастера — контрастами играть,
Скрывать границы, взоры удивлять».

    Человек и всё многообразие действительности становятся предметом творческого осмысления в искусстве. В произведениях барокко человек выступает как личность со сложным миром чувств и переживаний, вовлеченная в сложный водоворот событий и страстей. Но человека, одержимого желанием выявить и понять главные законы развития жизни, уже не могла устроить лишь констатация её сложности и противоречивости. Вот почему в произведениях барокко, с одной стороны, переданы напряженность конфликтов, преодоление духа противоречий, раздвоенность и тревога, а с другой — стремление к возрождению гармонии в жизни.

    Главными темами искусства барокко становятся мучения и страдания человека, мистические аллегории, соотношение добра и зла, жизни и смерти, любви и ненависти, жажды наслаждений и расплаты за них, где реальность совмещается с причудливой фантазией.


    Для произведений барокко характерны синтез архитектуры, живописи и скульптуры, эмоциональный накал страстей, динамизм и «тревожность силуэтов», картинная зрелищность, преувеличенная пышность форм, контрасты масштабов, цвета, светы и тени, изобилие и нагромождение причудливых деталей, использование неожиданных метафор.

    Влияние барокко не могло не коснуться и музыки.

    Музыка барокко носит преимущественно светский характер, в ней в большей степени проявляются демократические тенденции эпохи; всевозможные украшения (мелизмы) делают её наиболее яркой и декоративной, что соответствует барочной эстетике. Неустойчивые диссонирующие созвучия, неожиданные переходы, контрасты и противопоставления, мелодии, томительно длящиеся во времени, быстрые, технически трудные, виртурзные пассажи в пении, одновременное звучание множества инструментов, использование танцевальных ритмов — всё это определяет суть барочной музыки.
    Ярче всего новый музыкальный стиль проявился в опере, ведущем жанре музыки барокко. Но на мой взгляд, более чем Антонио Вивальди, никто из музыкантов и композиторов не достиг такого уровня в барочной музыке.


Кстати, лучшим доказательством того, что эстетика барокко в музыке не закончилась XVIII веком, является творчество английской хард-рок группы «Deep Purple» (конец 60-х годов ХХ в. — настоящее время, хотя то, что было после 1986 года, это уже не совсем «Deep Purple»).
    Если вдруг кто-нибудь из моих читателей не знает музыку этой группы, то просто посмотрите на оформление их ранних альбомов. Это, конечно же, не барокко, в отличие от музыки, которую они исполняют (исполняли), но я думаю, один лишь выбор тем для обложек дисков о многом говорит.
  
    Но наиболее явно стиль барокко проявился в архитектуре. Желание удивить, восхитить и даже ошеломить зрителя становилось едва ли не главной задачей архитекторов, работающих в этом стиле.

    Французский поэт XVII века Жорж де Скюдери (1601 — 1667) так описывал свои впечатления от архитектуры барокко:

«…Но перед красотой и зданья, и фасада
Померкли и фонтан, и мрамор, и ограда.
…В орнаменте витом увидишь тут и там
Победоносный шлем и вазы фимиам,
Колонны, капитель, пилястры и аркады
Увидишь ты, куда ни кинешь взгляды,
Амуры, вензеля, вплетенные тайком,
И головы ягнят, увитые шнурком,
И статую найдешь в великолепной нише,
В узорах и резьбе карниз под самой крышей».

    Впрочем, об особенностях барочной архитектуры, безусловно, должен быть отдельный разговор. Именно этой теме я и постараюсь посвятить свой следующий пост, который будет называться «Характерные черты барочной архитектуры».

    Так что, продолжение следует…

    Благодарю за внимание.
    Сергей Воробьев.

Барокко — Мегаэнциклопедия Кирилла и Мефодия — статья

Баро́кко (итал. Barocco, буквально — причудливый, вычурный) — стиль, преобладавший в искусстве Европы с конца 16 до середины 18 века и охвативший все виды творчества, наиболее монументально и мощно проявившись в архитектуре и изобразительном искусстве.

Барокко явилось развитием принципов, заложенных в эпоху Возрождения, однако в связи с радикальным изменением главной эстетической установки (уже не сотворческое следование природе, а совершенствование ее в духе идеальных норм красоты) придал этим принципам новый грандиозный размах, бурную динамику, изощренную декоративность.Любовь к прихотливой метафоре, словесной или зрительной, к аллегории и эмблеме достигает теперь, казалось бы, своего апогея; однако сквозь причудливые, порой полуфантастические формы и смыслы, сквозь все метаморфозы в барокко проступает крепкое натурное начало (к примеру, витиеватые декоративные детали архитектуры постоянно в духе анаморфозы уподобляются живым природным стихиям, а литературный язык обретает новую живописность, порой еще теснее сближаясь с национальными традициями фольклора). Различные виды искусства взаимодействуют (в сравнении с Ренессансом) более активно, составляя многогранный, но единый «театр жизни», сопутствующий реальному бытию в виде его праздничного двойника.Высшие триумфы барокко как стиля риторического, активно и властно захватывающего зрителя, в значительной мере стиля пропагандистского, принято связывать с укреплением абсолютистских монархий, с Контрреформацией как главным курсом тогдашнего папского престола. Действительно, крупнейшие его мастера, законодатели вкуса, такие (если говорить только об изобразительном искусстве и архитектуре), как Л. Бернини и Ф. Борромини в Италии, Д. Веласкес в Испании, П. П. Рубенс и А. Ван Дейк во Фландрии, работают в католической среде; однако религиозные и политические программы их образов нисколько не подавляют силу творческой личности, являющей свою гуманистическую мудрость в строгих условиях придворного этикета или церковного ритуала.Свой, более скромный и камерный вариант барокко, складывается в странах протестантского культа, например, в Голландии, где итальянские влияния служат — как и в целом ряде других мест — лишь внешним стимулом национальной самобытности (этот стимул разнообразно сказывается в искусстве Рембрандта, Ф. Хальса и даже Я. Вермера).Сам по себе стиль идейно и пластически многомерен: в Италии и Голландии, но в первую очередь во Франции внутри него нарождаются более строгие и рационалистичные черты раннего классицизма, по праву называемого «барочным классицизмом» (наиболее знаменитый пример его — Версаль). В 17-18 веках барокко интенсивно распространяется в Латинской Америке, порождая наиболее декоративно-пышный вариант в мексиканском «ультрабарокко», а также в Восточной Европе, в том числе в Белоруссии и на Украине.В русской архитектуре стиль существует первоначально в виде так называемого «нарышкинского барокко», где западноевропейские орнаментальные приемы накладываются на средневековую структуру; начиная же с эпохи петровских реформ все чаще строятся церковные и светские здания чисто новоевропейского типа, высшим образцом которых являются празднично-мажорные творения В. Растрелли.Для литературы барокко особенно характерны жанры риторической церковной проповеди и школьной драмы, где важное место занимают аллегорические фигуры-персонификации; самобытно развиваются также различные виды сатиры, роман, большие и малые формы метафорически насыщенной поэзии. Принципы барокко преломились в творчестве П. Кальдерона, Т. Тассо, Агриппы д’Обинье, а также М. В. Ломоносова и Симеона Полоцкого.В музыкальном театре происходит интенсивное развитие оперы и балета (оснащаемых все более сложными живописными, технически хитроумными декорациями), а собственно в музыке — расцвет более сложной и свободной вокально-инструментальной полифонии и тенденции к обособлению различных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке). Выдающимися представителями музыкального барокко были Дж. Габриели, Дж. Фрескобальди, А. Чести, Д. Букстехуде и Р. Кайзер.В первой половине 18 века — отчасти как поздняя фаза барокко, отчасти (во Франции) как самостоятельный феномен — складывается стиль рококо. Классицизм в его просветительской стадии все чаще подвергает барокко критике за «вычурность» и «безвкусие» (сам термин изначально нес негативный оттенок). Сходя на нет, барокко эпизодически возрождается в историко-романтических стилизациях (таких, как необарокко в зодчестве 19 века).
  • Всеобщая история архитектуры. М., 1963. Т. 4.
  • Русское барокко. Материалы и исследования. М., 1977.
  • Виппер Б. Р. Архитектура русского барокко. М., 1978.
  • Барокко в славянских культурах. М., 1982.
  • Русское искусство барокко: Каталог выставки. Л., 1984.
  • История всемирной литературы. М., 1987. Т. 4.
  • Held J. S., Posner D. XVIIth and XVIIIth Century Art: Baroque Painting, Sculpture and Architecture. New York, 1975.
  • Der literarische Barockbegriff. Darmstadt, 1975.
  • Maiorino G. The Cornucopean Mind and the Baroque Unity of the Arts. University Park and London, 1990.
  • Earls J. Baroque Art: A Topical Dictionary. London, 1996.

Искусство и архитектура барокко | Британника

Искусство и архитектура барокко , изобразительное искусство, проектирование и строительство зданий, появившиеся в эпоху истории западного искусства, которая примерно совпадает с 17 веком. Самые ранние проявления, которые произошли в Италии, относятся к последним десятилетиям 16-го века, тогда как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, некоторые кульминационные достижения барокко не произошли до 18-го века.Произведение, отличающее период барокко, стилистически сложное, даже противоречивое. В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Популярные вопросы

Откуда появился термин Барокко ?

Термин Baroque , вероятно, происходит от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике.Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник — португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчужины несовершенной формы. В художественной критике слово Baroque пришло для обозначения чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от правил и пропорций, установленных в эпоху Возрождения. До конца 19-го века этот термин всегда подразумевал странное, преувеличенное и чрезмерно украшенное.Только в новаторском исследовании Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888) этот термин использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Каковы особенности искусства и архитектуры барокко?

Произведение, выделяющее период барокко, стилистически сложное и даже противоречивое. Например, течения натурализма и классицизма сосуществовали и смешивались с типичным стилем барокко.В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Как возникли искусство и архитектура барокко?

Три широких течения оказали влияние на искусство барокко, первой из которых была Контрреформация.Борясь с распространением протестантской Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Приняла пропагандистскую программу, в которой искусство должно было служить средством стимулирования веры общественности в церковь. Возникший стиль барокко был одновременно чувственным и духовным. В то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать преданность и передать великолепие божественного.Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий: дворцы в стиле барокко были построены в монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь централизованного государства, явление, которое лучше всего было продемонстрировано в Версале. Третья тенденция заключалась в расширении интеллектуальных горизонтов человека, чему способствовали развитие науки и исследования земного шара. Это породило новое ощущение человеческого ничтожества (особенно чему способствовало коперниковское смещение Земли из центра вселенной) и бесконечности природного мира.Пейзажные картины, на которых люди изображены в виде крошечных фигур на обширном пространстве, свидетельствовали об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Какие художники ассоциируются со стилем барокко?

Аннибале Карраччи и Караваджо были двумя итальянскими художниками, которые помогли открыть барокко и чьи стили представляют, соответственно, классицизм и реалистичность. Художница Артемизия Джентилески была признана в 20 веке за свои технические навыки и амбициозные исторические картины.Джан Лоренцо Бернини, чьи достижения включали дизайн колоннады перед базиликой Святого Петра в Риме, был величайшим из скульпторов-архитекторов эпохи барокко. Упорядоченные картины Николя Пуссена и сдержанная архитектура Жюля Ардуэна-Мансара показывают, что импульс барокко во Франции был более сдержанным и классическим. В Испании художник Диего Веласкес использовал мрачный, но мощный натуралистический подход, который имел лишь некоторое отношение к мейнстриму барочной живописи.Тем временем этот стиль в ограниченных масштабах проник в северную Европу, особенно на территорию нынешней Бельгии. Величайшим мастером этого испанского в основном римско-католического региона был художник Питер Пауль Рубенс, чьи бурные диагональные композиции и полнокровные фигуры являются воплощением живописи в стиле барокко. Однако искусство в Нидерландах более сложное. Обусловленные реалистическими вкусами покровителей из среднего класса, такие выдающиеся мастера, как Рембрандт, Франс Хальс и Иоганнес Вермеер, оставались в значительной степени независимыми от барокко в важных отношениях, но многие художественные тексты, тем не менее, приравнивают их к стилю.Однако барокко оказало заметное влияние на Англию, особенно на архитектуру сэра Кристофера Рена.

Чем стиль рококо отличался от барокко?

Стиль рококо зародился в Париже около 1700 года и вскоре был принят по всей Франции, а затем и в других странах, в основном в Германии и Австрии. Как и стиль барокко, рококо использовалось в декоративном искусстве, дизайне интерьера, живописи, архитектуре и скульптуре. Его часто называют завершающей фазой барокко, но стиль отличается от своего предшественника интимным масштабом, асимметрией, легкостью, элегантностью и обильным использованием изогнутых естественных форм в орнаменте.Живопись в стиле рококо во Франции, например, началась с изящных, мягко-меланхоличных картин Антуана Ватто, завершилась игривыми и чувственными обнаженными фигурами Франсуа Буше и закончилась свободно написанными жанровыми сценами Жана-Оноре Фрагонара. Живопись французского рококо в целом характеризовалась беззаботным, беззаботным подходом к мифологическим темам и темам ухаживания, представлением семьи как предмета, богатой и тонкой манерой письма, относительно легкой тональной тональностью и чувственной окраской.

Происхождение термина

Термин «барокко», вероятно, в конечном итоге произошел от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник — португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчужины неправильной или несовершенной формы, и это употребление до сих пор сохранилось в названии ювелира жемчужина барокко .

В художественной критике слово «барокко» стало использоваться для описания чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от установленных правил и пропорций. Этот предвзятый взгляд на стили искусства 17-го века с небольшими изменениями поддерживался критиками, от Иоганна Винкельмана до Джона Раскина и Якоба Буркхардта, и до конца 19-го века этот термин всегда подразумевал странный, гротескный, преувеличенный и чрезмерно украшенный. Только с пионерским исследованием Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888) термин барокко использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Три основные тенденции эпохи

Три более широкие культурные и интеллектуальные тенденции оказали глубокое влияние на искусство барокко, а также на музыку барокко. Первым из них было появление Контрреформации и расширение ее владений как в территориальном, так и в интеллектуальном плане. К последним десятилетиям XVI века изысканный придворный стиль, известный как маньеризм, перестал быть эффективным средством выражения, и его непригодность для религиозного искусства все больше ощущалась в художественных кругах.Чтобы противостоять набегам Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Заняла пропагандистскую позицию, в которой искусство должно было служить средством расширения и стимулирования общественной веры в церковь. С этой целью церковь приняла сознательную художественную программу, произведения искусства которой будут вызывать у верующих откровенно эмоциональный и чувственный призыв. Стиль барокко, возникший из этой программы, парадоксальным образом был одновременно чувственным и духовным; в то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались для стимулирования благочестия и преданности и создания впечатления о великолепии божественного.Таким образом, церковные потолки в стиле барокко растворились в живописных сценах, которые представляли наблюдателю яркие виды бесконечного и направляли чувства к небесным заботам.

Кессонный потолок в стиле барокко купола церкви Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане в Риме по проекту Франческо Борромини, 1638–1641 гг. © LivioAndronico Получите эксклюзивный доступ к контенту из нашего 1768 First Edition с подпиской. Подпишитесь сегодня

Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий, сопровождающейся одновременной кристаллизацией видного и могущественного среднего класса, который теперь стал играть роль в покровительстве искусству.Дворцы в стиле барокко были построены в расширенном и монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь и величие централизованного государства, явление, которое лучше всего демонстрируется в королевском дворце и садах Версаля. Но в то же время развитие рынка картин для среднего класса и его стремление к реализму можно увидеть в работах братьев Ленена и Жоржа де Ла Тур во Франции и в различных школах голландской живописи 17-го века. (Подробное обсуждение этого явления, , см. Рембрандт ван Рейн.)

Оплакивание святого Себастьяна , холст, масло Жоржа де Ла Тура, 1645; в Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz, Берлин. 1,6 × 1,3 м. Предоставлено Государственным музеем Берлина — Preussischer Kulturbesitz

Третья тенденция заключалась в новом интересе к природе и общем расширении интеллектуальных горизонтов человека, вызванном развитием науки и исследованиями земного шара. Они одновременно породили новое ощущение как человеческой незначительности (особенно чему способствовало смещение Земли по Копернику из центра вселенной), так и неожиданной сложности и бесконечности природного мира.Развитие пейзажной живописи 17-го века, в которой люди часто изображаются в виде крошечных фигур в обширном естественном окружении, свидетельствует об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

,

Барокко — Everything2.com

Искусство барокко

Характеристики и стилистические аспекты искусства барокко трудно определить, потому что, за исключением перерыва в период маньеризма, барокко является просто продолжением позднего Возрождения. Период барокко в искусстве произошел примерно с 1600 по 1750 год нашей эры.Основная отличительная черта позднего Возрождения и барокко заключается в том, что барокко считается динамичным, а ренессанс — статичным.

Некоторые слова, которые обычно используются для описания искусства барокко, — это просторный, красочный, динамичный, блестящий, театральный (это был период большой популярности живого театра), страстный, чувственный, экстатический, роскошный, экстравагантный, универсальный и виртуозный. События, происходившие в этот период как внутри, так и за пределами художественного мира, повлияли на внешний вид создаваемого искусства.

Одним из социальных влияний на искусство было чувство национализма, преобладающее в этом регионе.В Америке шли войны, а также между городами эпохи Возрождения. Горожане были верны своим родным городам, и это нашло отражение в изобразительном искусстве.

Также в этот период значительные успехи были достигнуты в областях науки, включая астрономию и физику. Некоторыми из людей, сыгравших важную роль в этом развитии науки, были Галилей, Кеплер и Ньютон. Три аспекта искусства, на которые сильно повлияла, но не полностью изменила наука, — это пространство, время и свет.

Космос-

Никогда прежде космическое пространство не изучалось так внимательно и с такой детальностью. Представления о вселенной и космическом пространстве проникли в изобразительное искусство. Милтон описывает новое понимание как «огромную и безграничную бездну». Новую концепцию пространства можно увидеть, в частности, в «Иллюзионизме перспективы» фра Андреа Поццо.

Свет —

В предыдущие века свет был прежде всего концептуальным и играл очень важную роль в религиозных изображениях.Свет был не только эфирным, как это видно в готической архитектуре, но и символизировал истину и Святой Дух. Теперь свет стал физической сущностью. Примером этой новой концепции света является произведение Джанлоренцо Бернини (также известного как Джованни Лоренцо Бернини) «Экстаз св. Терезы» . В этой скульптуре золотые шипы, изображающие лучи света сверху, словно устремляются к фигурам. Чтобы еще больше подчеркнуть свет в изделии, над шипами расположено небольшое отверстие, чтобы они сияли настоящим солнечным светом.

Время-

Концепция времени играла важную роль в религии, психологии, философии и литературе. Раньше люди не могли и не пытались определить время. Время было принято как понятие, а не как нечто существующее в действительности. Однако в этот период ученые начали применять измерения к концепции времени, приближая ее к реальному аспекту природы. Художники начали использовать время как центральную тему в большинстве своих работ; часто его изображали мимолетным и жестоким.

Ученые начали изучать природу путем тщательного наблюдения и экспериментов. Художники сделали то же самое, изучив человеческую фигуру ближе, чем когда-либо прежде, и добавили элементы естественности к изображениям идеала (классицизм). Художники продолжали символически использовать пространство, время и свет и создавать искусство, иллюстрирующее невидимую и неизменную истину. Однако в период барокко художники начали добавлять натурализм в свои картины, полагая, что, поскольку природа чиста и совершенна, это сделает их произведения более актуальными.

Наконец, художники получили все инструменты, необходимые для создания реалистичного искусства, которое было абсолютно убедительным и точным. Они могли двигаться дальше и больше концентрироваться на драме человеческой жизни, чем на ее воссоздании на плоской поверхности.

Источник: Искусство Гарднера сквозь века, десятое издание

.

Одалиска (Цикл в стиле барокко, том 1, книга 3) Нила Стивенсона

Это третья книга в цикле барокко из восьми книг, а также третья часть первого тома. Таким образом, он включает в себя изрядное количество связывания отдельных персонажей и сюжетных арок, представленных в первых двух книгах, Quicksilver и King of the Vagabonds , что в основном достигается за счет встречи Элизы с Дэниелом Уотерхаусом в Англии. (Джек Шафто вообще не появляется в этой книге, хотя на него несколько раз ссылаются другие персонажи.Его брат Боб появляется ближе к концу, представляя собственную историю, которая пересекается с историями Элизы и Даниэля.)

По своей структуре эта книга следует за последней частью King of the Vagabonds , переключаясь назад и между точками зрения двух географически удаленных персонажей. Если во второй книге это были Элиза и Джек, то здесь Элиза и Дэниел, которые гораздо больше похожи по темпераменту и привычкам — оба умные, осторожные персонажи, которые наблюдают, планируют и действуют , а затем , а не беспечно. бросаются в самую гущу событий.Это создает большую напряженность и больше смысла в том, что каждое повествование — это , строящее на что-то, а не просто перечисление от одного эпизода к другому. Но это также снижает количество занимательных инцидентов, поэтому, если вам действительно понравилась часть Джека из последней книги, вам может наскучить эта.

К настоящему времени Элиза устроилась при дворе короля Людовика IV в Версале, где у нее есть своего рода спонсор, граф д’Аво, с которым она познакомилась в предыдущей книге и который получил ее должность гувернантки для детей некоторых из них. дворянка.Однако для нее это только повод оказаться в Версале, где у нее есть еще несколько важных ролей, которые она скрывает с разной степенью секретности. Ближе всего к поверхности, она действует как менеджер по личным финансам практически для всего двора, большинство членов которого находятся на грани банкротства, пытаясь поддерживать свои дома и гардеробы на соответствующем уровне достатка. Известная меньшему количеству людей, она переписывается с д’Аво, информируя его о том, что происходит при дворе; она также переписывается с естествоиспытателем Готфридом Вильгельмом Лейбницем, опубликовавшим свои расчеты.Для написания писем она использует несколько разных кодов; письма, которые она пишет д’Аво, написаны более простым кодом, который, как она ожидает, будет взломан голландскими шпионами, которые являются ее настоящей аудиторией для этих посланий. (Д’Аво, как выяснилось в последней книге, пытается подорвать авторитет короля Людовика, но и не является про-голландским. Я не уверен на 100%, насколько совпадают его планы и планы Элизы, хотя я не ДУМАЮ, что он знает, что голландцы читают его переписку …) В любом случае, на самом высоком уровне секретности, она шпионит за Уильямом, принцем Оранским, который намеревается захватить власть в Англии.

И, прочитав этот абзац, вы начнете понимать, почему мне не нравится название этой части в «Цикле барокко». Одалиска — это женщина, отличительной чертой которой является ее безделье; другие хранят ее, чтобы она была праздной и красивой для них. Элиза, которая должна быть той, о которой идет речь в названии, головокружительно активна ВСЕ ВРЕМЯ, одновременно выполняя две или три невероятно сложных вещи и следя за тем, чтобы никто не видел, как она делает их, в любой момент времени. Стивенсон вполне мог выбрать это название иронично; это единственный способ увидеть в этом смысл.

Я упоминал, что Дэниел Уотерхаус возвращается в игру в этой книге; он делает, и когда мы встречаемся с ним, он проявил себя как политический игрок. Он по-прежнему является членом Королевского общества, но не проводит собственных исследований. Вместо этого он слоняется по истощающемуся двору короля Якова II, наблюдая, как его врачи пытаются лечить его запущенный сифилис, и разговаривает с другими людьми о том, что будет дальше. Он ходатайствует от имени своих собратьев-пуритан, освобождая их из тюрьмы всякий раз, когда их окружают по подозрению в разжигании нового восстания (помните, что в первой книге отец Дэниела Дрейк сыграл важную роль в приведении Оливера Кромвеля к власти и был вознагражден за это отрубив ему голову после того, как Карл II был восстановлен на престоле).Пока он смотрит и ждет, вокруг него происходит Славная революция. Он знает, что сыграл определенную роль в его возникновении, но в основном он просто бродит ошеломленный, когда это действительно начинает разворачиваться. В основном он старается не спускать глаз со своего друга Исаака Ньютона, который заходит за пределы досягаемости, оставив физику ради какой-то эзотерической метафизики. Его части книги, особенно по сравнению с Элизой и особенно ближе к концу, разочаровывают.

.
Posted in Разное

Отправить ответ

avatar
  Подписаться  
Уведомление о